All’interno di questa sezione troverete le biografie dei principali artisti di salsa e gli articoli realizzati in collaborazione con alcuni importanti giornalisti e studiosi del settore.
Con l’occasione abbiamo il piacere di presentarvi Gherson Maldonado, famoso produttore e conduttore radiofonico di vari programmi fra i quali Concierto Caribe e Ritmo, Sabor y Estilo nonchè coordinatore del forum creato dal Ministero della Cultura venezuelano sulla storia della salsa in quel paese. E’ inoltre collaboratore di alcune riviste venezuelane ed internazionali.
Diamo il nostro benvenuto a Gherson!
Fra i nostri collaboratori abbiamo inoltre due “vecchie conoscenze”:
* Tato Conrad, “Cocolo”, titolare della più antica Accademia di salsa a Puerto Rico nonchè grande studioso della musica e delle tradizioni caraibiche.
* Tommy Salsero
Barcellona (Spagna) 9 Agosto 2006: muore Miguel Aurelio “Angá” Díaz
Miguel Aurelio “Angá” Díaz
Barcellona. – Il percussionista, compositore e arrangiatore cubano Miguel Aurelio “Angá” Díaz è morto mercoledì 9 Agosto 2006 nella località di Sant Sadurní d’Anoia (Barcellona, Spagna), secondo quanto riferito dalla Mas i Mas, che non ha riferito la causa della morte.
Miguel Aurelio “Angá” Díaz” nacque nel 1961 a San Juan Martínez, un paesino situato nella provincia di Pinar del Río (Cuba).Figlio di un saxofonista e clarinettista, studia presso la scuola provinciale di Pinar del Río. A 10 anni ottiene una borsa di studio (Beca) per trasferirsi presso la Escuela Nacional de Instructores de Arte a La Habana (Cuba),dove si diploma a livello medio.
In quegli anni, alterna gli studi in questa scuola con i corsi che segue presso la Escuela Nacional de Arte, e comincia a lavorare nelle bandas sonaras de películas y documentales con José María Vitier.
La prima esperienza professionale arriva con il suo ingresso nel gruppo Opus 13, diretto da Joaquín Betancourt. Angá Díaz rimane per dieci anni con questo gruppo sorto dal famoso terzetto della ENA, e avrà l’occasione di realizzare i primi viaggi all’estero.
Nel 1987, Chucho Valdés lo invita a unirsi agli Irakere, gruppo con il quale lavorerà per 9 anni insieme a grandi nomi del latin jazz come lo stesso Valdés, Enrique Pla o Carlos del Puerto.
La sua permanenza negli Irakere gli apre le porte dei festival e dei club di jazz più importanti del mondo, e lo porterà a lavorare con stelle internazionali come Al Di Meola, Chick Corea e Billy Cobham al Festival del Jazz di Cerdeña.
Nel 1995, Angá Díaz decide di trasferirsi a Parigi, dove inizia la sua carriera di solista come musicista e come docente, realizza seminari e classi magistrali e collabora con musicisti di estrazione stilistica così diverse come Roy Hargrove, Gonzalo Rubalcaba, Danilo Pérez, Paquito D’Rivera, John Patitucci o Herbie Hancock, fra gli altri.
Durante i suoi anni a Parigi, Miguel Angá Díaz lavora anche con Ry Cooder di Buenavista Social Club, Joshua Redman e produce alcuni progetti di terzi, come l’ultimo disco di Cachaíto López, oltre a convertirsi nell’artista esclusivo della casa discografica World Circuit.
Nel 2003, Angá Díaz decide di andare a vivere a Barcellona, dove, oltre a seguire a lavorare a progetti antichi come il nuovo trío de Omar Sosa, ha creato il suo gruppo, del quale fanno parte anche suo fratello, Juan Miguel ‘el Indio’ Díaz, il chitarrista Joan Boldú ed il bassista Childo Childo Thomas.
Artista che affonda le sue radici in una solida formazione nella musica tradizionale cubana e di un virtuosismo che gli ha fatto guadagnare l’elogio unanime della stampa specializzata e degli altri musicisti, Angá Díaz ha cercato in tutti questi anni di mischiare gli stili, avvicinando la musica cubana a altre musiche, per esplorare le relazioni delle poliritmie afrocubane con la tecnologia.
Fra i molti premi che ha ricevuto durante la sua importante carriera, occorre rimarcare il premio come miglior strumentista che ricevette dall’Asociación Nacional de Escritores y Artistas Cubanos, il premio Revelación del Año” del Festival Internacional Jazz Plaza de La Habana en 1986, il premio EGREM che ricevette con il primo disco che realizzò a suo nome e che vide la partecipazione, fra gli altri, di Tata Güines, il Grammy come miglior disco dell’Habana, disco del gruppo Crisol (dove suonò anche Roy Hargrove) o il Grammy come miglior percussionista che ottenne nella penultima edizione del famoso premio.
Biografia tratta da:
Il timbalero che aveva suonato in alcune fra le più famose orchestre di salsa è deceduto il 1 Marzo 2010 a 75 anni.
4 Marzo 2010
di Martin Cohen
Mike Collazo presso il Palisades Park, NJ. Verso il 1976 Foto di Martin Cohen
Non conosco un altro timbalero che abbia lavorato con tante orchestre importanti come Mike Collazo. Quando aveva 14 anni, Mike inizia a studiare con Ubaldo Nieto, il timbalero dell’orchestra di Machito. A seguire Mike studia alla “New York City High School” e successivamente alla scuola di Disegno Industriale, insieme ai musicisti Orlando Marín e Joe Quijano. È proprio in questo periodo che Mike introduce Orlando nella musica latina. Probabilmente l’alunno più famoso di questa scuola secondaria è il cantante Tony Bennett.Dopo essersi diplomato alla scuola secondaria, Mike entra nella scuola di musica del quartiere di Manhattan, il tempo necessario per imparare a leggere la musica. Questa abilità gli darà l’opportunità di registrare molti dischi e jingles.La sua prima e grande opportunità arriva quando si unisce alla banda del cantante cubano Marcelino Guerra. Già all’età di 18 anni entra a far parte dell’orchestra di un altro cantante cubano, Vicentico Valdés con la quale rimane fino a quando non viene reclutato nell’esercito all’età di 23 anni.
Orlando Marin, Nicky Marrero, Jimmy Delgado e Mike Collazo. Foto di Martin Cohen
Al ritorno dal periodo nell’esercito, Mike suona con l’orchestra La Perfecta di Eddie Palmieri (una delle mie orchestre preferite di ogni tempo). Uno dei primi luoghi dove iniziano a suonare è Che José, nella Calle 77 a New York. Ero solito andare in questo club per portare le mie nuove campane che avvolgevo in una borsa di carta marrone, affinchè i musicisti potessero provarle. Ho conosciuto Mike in questo periodo.
All’inizio della sua carriera dissero a Mike che Tito Rodríguez aveva bisogno di un timbalero per la sua orchestra, però lui rifiutò perchè non si sentiva ancora pronto in quanto inesperto per suonare in una banda così importante.
A quei tempi avere l’opportunità di suonare in una di queste grandi orchestre era un vero evento, in virtù del fatto che i loro musicisti potevano continuare a suonare in queste bande per uno spazio di tempo lungo da 10 a 15 anni. Capitava che qualcuno dovesse morire per essere sostituito. Nel caso di Tito Rodríguez, fu il suo timbalero, Papi Paganni – un gran musicista, secondo quanto affermato dallo stesso Collazo – che fu obbligato a lasciare l’orchestra per motivi personali e fu così che Mike prese il suo posto. Ed effettivamente restò con la sua orchestra per 5 anni.
Dopo aver suonato con Tito Rodríguez, Mike entrò nell’orchestra di un altro gigante, Ricardo Ray, gruppo che fu molto popolare negli anni settanta. Un assolo di timbal che Mike suonò nell’album “Aguzate” lo rese famoso come eccellente timbalero. Prima di essere chiamato per questo lavoro, Mike aveva il compito di marcare il tempo, però non aveva ancora avuto l’opportunità di mostrare le sue doti di solista. Ancora oggi Mike è famoso in paesi come la Colombia per le sue ingegnose esecuzioni e per la bellissima descarga di questo album. Quando domandai a Eddie Montalvo di parlare di Mike, il suo primo ricordo andò proprio a questo album, che secondo lui marcò un’era nella musica latina.
Negli ultimi 15 anni Mike è stato un membro della Orquesta Broadway, la mitica charanga di New York. Un’altro dei miei gruppi preferiti. Dal punto di vista personale, Mike era un gran padre e nonno, un vero cavaliere in ogni momento. Sempre attento e sensibile verso tutti.
Mike Collazo, in primo piano, seduto nell’auto. Cortesia di Reynaldo
Mike è deceduto il 1 Marzo del 2010. Fonte: Martin Cohen / Herencia Latina
Español
No conozco de otro timbalero que haya trabajado con tantas bandas importantes como Mike Collazo. A la edad de 14 años, Mike comenzó a estudiar con Ubaldo Nieto, el timbalero de la Orquesta de Machito. Luego Mike estudió en «New York City High School» y posteriormente en la Escuela de Diseño Industrial, junto a los músicos, Orlando Marín y Joe Quijano. Fue durante este período que él introdujo a Orlando a la música latina. Probablemente el alumno más famoso de esta escuela secundaria lo es el cantante Tony Bennett.
Después de graduarse de la escuela secundaria, Mike asistió a la Escuela de Música del Condado de Manhattan, el tiempo suficiente para aprender a leer música. Esta habilidad le dio la oportunidad de grabar muchos discos y jingles.
Su primera y gran oportunidad llegó cuando se integra a la banda del cantante cubano Marcelino Guerra. Ya a la edad de los 18 años se unió a la banda de otro gran cantante cubano Vicentico Valdés. Se quedó con esta banda hasta que fue reclutado en el ejército a la edad de 23 años.
A su regreso del ejército, Mike actúa con la Orquesta la Perfecta de Eddie Palmieri —una de mis bandas favoritas de todos los tiempos. De los primero lugares donde tocaron fue en un club ubicado en la calle 77 en Nueva York con el nombre de Che José. Yo solía llevar a este club, mis nuevos cencerros en unas bolsas de papel marrón para que los músicos los evaluaran. Mike me recuerda desde esta época.
A principios de su carrera, le comentaron a Mike que Tito Rodríguez necesitaba un timbalero para su banda, pero él declinó porque sentía que aún era demasiado inexperto. Para aquellos días era un evento muy especial cuando se presentaba un trabajo en alguna de estas grandes bandas, dado a que sus «Sidemen» estaban acostumbrados a mantenerse en estas bandas por un espacio de 10 a 15 años. Normalmente alguien tendría que morir antes de que su silla musical fuera reemplazada. En el caso de Tito Rodríguez, fue su timbalero, Papi Paganni —un gran músico, en palabras Collazo—, quien tuvo que abandonar su trabajo por motivos personales y fue entonces que Mike tomó su lugar. Y en efecto, se quedó con Tito Rodríguez por 5 años.
Después de la banda de Tito Rodríguez, Mike se unió a la banda de otro gigante, Ricardo Ray que fue muy popular en la década de 1970. Un solo de timbal aportado por Mike en el álbum Agúzate le dio el prestigió como un excelente timbalero. Antes de ser llamado para este trabajo, Mike se encargaba de marcar el tiempo, pero no había tenido la oportunidad de demostrar sus dotes de solista. Incluso, al día de hoy, a Mike se le reconoce sus ingeniosas ejecuciones y su bien lograda descarga de este álbum en países como Colombia. Cuando le pregunté a Eddie Montalvo que hablara de Mike, su primer pensamiento fue la de este álbum que le parecía que definió una era en la música latina.
En el aspecto personal, Mike es un gran padre y abuelo, un caballero en todo momento. Siempre está atento y sensible a los demás. Mi querido amigo, el bajista Eddie «Gua Gua» Rivera, me dijo que su hermana, le confirmó a la fecha, que Mike es un caballero.
Alle 12 di mercoledì scorso è scomparso all’ospedale Pérez Carreño di Caracas il musicista venezuelano Alexis Escobar, flautista dell’orchestra Bailatino, uno dei principali gruppi nel panorama salsero venezuelano e del continente latino americano.Escobar è entrato a far parte dell’orchestra Bailatino sin dall’inizio nel 1995 e insieme ad essa ha dimostrato il suo talento con il flauto, strumento che suonava con grande maestria. Inoltre Alexis Escobar ha suonato anche con gruppi come El Guajeo de Alfredo Naranjo, la Orquesta Típica Nacional, la Banda de El Pavo Frank, Magia Caribeña ed il gruppo di Orlando Poleo, esibendosi in tutto il Venezuela ed in Francia, Colombia, Aruba, Curazao e Messico.
Bailatino – Lo que se da no se quita
Durante l’ultima tourneè di Bailatino in Australia non aveva potuto aggregarsi in quanto era già ricoverato in ospedale a causa di un versamento pleurico che gli è costato la vita.
I musicisti di Bailatino sono costernati e con loro tutta la famiglia salsera venezuelana e di tutti i caraibi.
Paz a su alma
A cura di: Lil Rodríguez
Español
Caracas, enero 27 – En horas del medio dia de este miercoles falleció en el hospital Pérez Carreño de Caracas el destacado músico venezolano Alexis Escobar, flautista de la orquesta “Bailatino”, agrupación considerada fundamental en la resistencia salsera del continente.
Escobar formó parte de la agrupación desde sus inicios en 1995 y con ella subió a todos los escenarios donde mostró su talento con el instrumento que ejecutaba con gran maestría y solvencia: La Flauta Y no sólo con Bailatino mostró sus capacidades musicales. Alexis Escobar participó de agrupaciones como el Guajeo de Alfredo Naranjo, la Orquesta Típica Nacional, la Banda de El Pavo Frank, Magia Caribeña y el grupo de Orlando Poleo.
Se presentó, además de los escenarios venezolanos, en Francia, Colombia, Aruba, Curazao y México.
A la mas reciente gira de Bailatino a Australia no pudo asistir. Estaba ya hospitalizado a partir de un derrame pleural que se fue complicando hasta que este miércoles 27 de enero rindió tributo a la vida.
Los integrantes de Bailatino están absolutamente consternados y con ellos la familia salsera venezolana y de todo el Caribe.
El velatorio es en la funeraria El Pinar, en la avenida Páez de El Paraiso, en Caracas.
Joe Cuba insieme alla sua sposa María in una foto dell’anno 2006. (AP / Julie Jacobson) – foto tratta da Primerahora.com
Muore il percussionista portoricano Joe Cuba
domenica, 15 febbraio 2009
Laura N. Pérez Sánchez / Prensa Asociada
Il famoso percussionista portoricano Joe Cuba è morto oggi, domenica, a New York, per complicazioni legate a un infezione batteriologica. Aveva 78 anni. Il cantante Cheo Feliciano ha confermato che il musicista è morto alle 5 del pomeriggio ora di Puerto Rico, nell’ospedale Monte Sinaí di New York, il giorno dopo che i medici hanno staccato i macchinari che lo tenevano in vita artificialmente.
Joe Cuba lottava da diversi anni contro questa infezione che aveva contratto durante un intervento dove gli era stata messa una protesi a seguito di una caduta.
Feliciano che si trovava a Portorico per preparare un concerto in Svizzera, ha raccontato di aver chiesto il permesso alla famiglia di telefonargli per dargli l’ultimo saluto.
“Gli ho detto che Dio ha una missione con tutti noi e che quando sta arrivando la fine di questa missione dobbiamo tornare nel posto da dove veniamo, che dobbiamo ringraziare Dio per tutte le opportunità che ci ha dato e che doveva sentirsi sereno e prepararsi per il passaggio”.
Feliciano, che debuttò come cantante nel 1957 con il Sexteto di Joe Cuba, ha approfittato dell’occasione per ringraziare il musicista, il cui vero nome era Gilberto Calderón, per avergli dato l’opportunità che avrebbe segnato la sua carriera per sempre.
Ha inoltre ricordato che il Sexteto di Joe Cuba si era caratterizzato per la forma d’interprezione della salsa per tutto il decennio degli anni sessanta.
In quel periodo la maggior parte dei conjuntos di successo erano orchestre, mentre Joe Cuba lanciò un sestetto che incorporava tre cantanti che allo stesso tempo suonavano strumenti di percussione e ballavano seguendo degli schemi, “un po’ come fa adesso El Gran Combo”.
“È stato il gruppo più dinamico che ci sia stato. Tutti i gruppi latino americani che suonavano erano orchestre. Poi nacque il sestetto con il suono di un vibrafono e questo portò una grande euforia perchè era qualcosa di nuovo”, continua Feliciano, che insieme al Sexteto lanciò temi come “El ratón”, “El pito” e “A las seis”.
Socorro “Cocó” Prieto, sposa di Feliciano, ha detto alla Stampa Associata che il feretro di Cuba resterà per due giorni a New York e dopo sarà portato per le strade dove nacque e visse il musicista, nato nella Grande Mela nel 1931.
Il suoi resti saranno cremati in questa città, dove risiede tutta la sua famiglia che è originaria di Naguabo.
El afamado percusionista puertorriqueño Joe Cuba murió hoy, domingo, en Nueva York por complicaciones relacionadas a una bacteria que se le había alojado en el cuerpo. Tenía 78 años.
El cantante Cheo Feliciano confirmó que el músico murió a eso de las 5:00 de la tarde, hora de Puerto Rico, en el hospital Monte Sinaí de Nueva York, un día después de que los médicos desconectaran las máquinas que lo mantenían con vida luego que la mayoría de sus órganos vitales fallaran.
Cuba llevaba varios años luchando contra la bacteria que, en un principio no se sabía dónde estaba alojada, pero que luego los médicos confirmaron que se encontraba en una prótesis de cadera que fue implantada al salsero tras una caída.
Feliciano narró que, poco antes de que el corazón de Cuba dejara de palpitar, él solicitó a la familia que le permitiera despedirse a través del teléfono, ya que se encuentra en Puerto Rico preparando un próximo viaje de trabajo a Suiza.
“Le dije que Dios tiene una misión con todos nosotros y que, cuando está llegando el final de esa misión, tenemos que irnos al sitio de donde venimos”, relató Feliciano en entrevista telefónica con Prensa Asociada.
Feliciano, quien debutó como vocalista en 1957 con el Sexteto de Joe Cuba, aprovechó la oportunidad para agradecer al músico, cuyo nombre de pila era Gilberto Calderón, por darle la oportunidad que marcó su carrera musical para siempre.
“Le dije que estamos agradecidos de todas las oportunidades que dios nos dio, y que debe sentirse tranquilo y prepararse para la transición”, sostuvo.
Recordó cómo el Sexteto de Joe Cuba marcó la diferencia en la forma en que se interpretaba la salsa allá para la década de 1960.
Entonces, la mayoría de los conjuntos de éxito eran orquestas, mientras que Cuba trajo a un sexteto que incorporaba a tres cantantes, que al mismo tiempo tocaban instrumentos de percusión y bailaban siguiendo una rutina “como eso que hace ahora El Gran Combo”.
“Fue el grupo más dinámico que hubo. Todos los grupos latinoamericanos que sonaban eran orquestas. Surgió un sexteto con el sonido de frente de un vibráfono, y eso causó una euforia porque era diferente”, relató Feliciano, quien junto al Sexteto popularizó temas como “El ratón”, “El pito” y “A las seis”.
Socorro “Cocó” Prieto, esposa de Feliciano, indicó a la AP que el féretro de Cuba será velado por dos días en Nueva York y luego llevado por las calles en las que se crió y vivió el músico, nacido en la Gran Manzana en 1931.
Se espera que sus restos sean cremados en esa ciudad, donde reside toda su familia que es oriunda de Naguabo, indió Prieto.
Mark Alexander Dimond, Markolino come era soprannominato dai suoi colleghi dell’epoca, nacque nel 1950. Era nord americano e viveva nel Lower East Side nel Sud Est della Grande Mela con sua madre e sua sorella maggiore.
Sua madre era un’operatrice sociale del dipartimento del Welfare della città di New York, mentre sua sorella studiava all’Università. Markolino parlava sempre di suo padre. Diceva che era un nero cubano che di cognome faceva Dimond, però nessuno dei suoi amici dell’epoca lo conobbe.Mark studiò un po’ di musica da bambino, anche se era principalmente un autodidatta. Era in grado di leggere la musica e scrivere partiture. Gli bastava ascoltare una canzone o suonarla una volta, per impararla per sempre. Purtroppo fin da adolescente iniziò a far uso di droghe, principalmente eroina. Con le droghe Markolino non riusciva a controllarsi. Questo è ciò che racconta Andy Harlow, uno dei suoi amici sin da quando iniziarono a suonare insieme nel Sexteto di Andy Harlow nel 1966, grazie all’interessamento di un vicino e amico di Markolino, Ismael Miranda.Racconta Andy Harlow che stava accompagnando suo fratello Larry in un club a Brooklyn chiamato “3 en 1” dove stava suonando, quando uscì dal locale per prendere un po’ d’aria e vide un ragazzo piccolo che gli si avvicina dicendogli: “ho sentito che state formando una banda…io sono cantante, suono le percussioni, le maracas e inoltre scrivo canzoni. Ed ho un amico nel Lower East Side che suona il piano”.
Questo ragazzo adolescente era Ismael Miranda e il suo amico pianista, Mark Dimond. Ismael aveva 17 anni, Mark 16 e Andy Harlow una ventina.
Ismael aiutò Harlow a completare la banda e riuscì anche a far si che suonassero il loro primo “Gig” (esecuzione) presso il JJ Club fra la calle 80 e Broadway.
Così Markolino iniziò a sviluppare il suo talento professionalmente. Un po’ di tempo dopo, Ismael andrà con l’orchestra del timbalero Joey Pastrana dove otterrà il suo primo grande successo “ Rumbón Melón”. Dimond divenne quindi il pianista dell’orchestra di Willie Colón.
Nel 1968 durante la sua prima registrazione importante, “The Hustler”, con l’orchestra di Colón, Markolino era già un pianista geniale e lo mise in evidenza con la canzone che da il nome al disco (dove si vanta dell’indipendenza delle sue mani) e nel “Guajiron”, una guajira dove Markolino da vita ad un montuno in contrapposizione con il basso e inoltre fa un assolo che è ancora oggi un classico fra i pianisti di salsa.
Ma oltre ad essere un grande pianista era anche molto sregolato. E con tutto il fardello che questo implica, si portava dietro l’irresponsabilità, l’impuntualità e problemi nel maneggiare i soldi.
Per il secondo disco di Colón, “Guisando / Doin’ a job” del 1969, Markolino compone una canzone aspra e oscura per le sue sonorità, però paradossalmente piena di ingenuità. La canzone è “Te están Buscando”:
TE ESTAN BUSCANDO YA – TI STANNO CERCANDO
LA POLICIA – LA POLIZIA
TE LO DIJE MARKOLINO – TE L’AVEVO DETTO MARKOLINO
QUE TUVIERAS MAS CUIDAO – CHE DOVEVI STARE PIU’ ATTENTO
LA JARA TE ANDA BUSCANDO – LA JARA TI STA CERCANDO
TU ESTAS GUISAO – TU SEI GUISAO
SIEMPRE CON EL MISMO CUENTO – SEMPRE CON LO STESSO RACCONTO
NUNCA QUIERES TRABAJAR – NON VUOI MAI LAVORARE
TE LO DIJE FUMANCHU’ – TE L’AVEVA DETTO FUMANCHU’
ESCONDE EL PAPEL DE BAMBU’ – NASCONDI IL FOGLIO DI BAMBU’
Secondo quanto dice la sua canzone, la polizia (la Jara) sta cercando Markolino. Inoltre è un Fumanchù, un grande fumatore. Alla fine del verso menziona il foglio di bambù, detto anche “cartina di bambù” comunemente usato per realizzare sigarette di tabacco e Marijuana.
A quell’epoca l’orchestra di Willie Colón inizia ad essere amministrata dal famoso imprenditore musicale e manager di molte orchestre di salsa, Richie Bonilla. E’ con il disco “Cosa Nuestra” del 1971 che ci furono alcuni cambi tra i musicisti. Il professore Joe Torres è il nuovo pianista, Louie Romero ai timbales e José Mangual Jr al bongó. Bonilla durante un’intervista ad una rivista disse che aveva conosciuto l’orchestra di Willie Colón grazie a Héctor Lavoe e che gli piaceva molto, anche se era piena di drogati. “Il grande pianista Mark Dimond era un drogato” disse Bonilla.
Markolino inizia quindi un progetto indipendente e nello stesso anno, il 1971, registra un disco con il suo gruppo chiamato Conjunto Sabor. Questa produzione segna il debutto di un giovane cantante nato a Ponce (Portorico) chiamato Angel Canales. Il disco “Brujería” contiene otto canzoni composte e arrangiate da Dimond e senza dubbio è il miglior disco di salsa dura di tutti i tempi.
Purtroppo la “dipendenza” di Markolino spinge i suoi nuovi musicisti a fare a meno del suo talento. Il Conjunto continua a suonare con un nuovo leader, Angel Canales.
Markolino Dimond – Brujeria
Per motivi discografici questo disco viene ristampato anni dopo, quando Canales cominciava ad essere famoso nell’ambiente salsero per il suo modo particolare di cantare, così decisero di cambiare la copertina del disco di Markolino in “Angel Canales / Mas Sabor”, dimenticandosi completamente di fargli avere i diritti sulle vendite.
ANGEL LUIS CANALES. “El Cantante y la Orquesta”
Nel 1972 Markolino lavora in modo itinerante con l’Orquesta Dicupé in seguito all’uscita di scena del pianista Luis Esquilín, così come ci viene raccontato dal bongocero della menzionata orchestra, Mario Librán: “ Markolino suonò molto con noi, però era un problema perchè arrivava sempre in ritardo. In questa epoca suonarono in molti, però Markolino fu quello che si fermò per più tempo”. Dimond non riuscì a partecipare al secondo disco de la Dicupé nel 1974.
Nel 1974 Markolino è invitato a suonare il piano nel primo disco come solista di Héctor Lavoe, “La Voz”, che uscirà nel 1975. Il disco inizia con “El Todopoderoso”, un tema pieno di vitalità dove Dimond sembra voler dedicare il suo talento ad alti livelli. In questo disco registra il suo assolo più famoso fra i collezionisti di dischi, “Rompe Saraguey”. Sempre nel 1974 partecipa al primo disco come solista di Ismael Quintana, registrando un paio di canzoni fra le quali si evidenziano “Mi Debilidad”, dove Dimond registra un assolo imponente che, una volta di più, descrive il suo modo davvero unico di suonare il piano. Queste registrazioni con artisti della Fania, ci fanno pensare che questa è l’epoca nella quale Jerry Masucci e Johnny Pacheco utilizzavano Markolino nella Fania All Stars nelle occasioni in cui Larry Harlow non era disponibile, almeno fino all’ingresso del Maestro Papo Lucca come pianista ufficiale dell’orchestra.
Il 1975 rappresenta indubbiamente l’anno più importante nella vita musicale di Dimond. Durante quest’anno infatti completa il progetto più prestigioso della sua carriera. Innanzitutto perchè viene presentato l’ultimo disco di salsa con un’orchestra radunata apposta per lui. Poi per la chimica e esplosiva combinazione dei musicisti invitati: tutti latini nella sezione ritmica e tutti nord americani (ad eccezione di Reinaldo Jorge) ai fiati. Il risultato: una gioia musicale che rappresenta la massima espressione del concetto musicale di salsa. Latini e nord americani uniti nell’apportare ritmi e armonie per produrre un espressione unica e irripetibile. Da questo disco la canzone “Por Qué Adoré”, composta da Tite Curet, è diventata un oggetto di culto da parte dei melomani.
Markolino Dimond – Por Qué Adoré – Piano – AleMarquis
Paradossalmente nello stesso anno Dimond intraprende un progetto personale di Rock e R&B chiamato “The Alexander Review” dove suona le tastiere e canta. In questo progetto partecipano musicisti del calibro di Eddie “Guagua” Rivera, Ray Maldonado, Tom Malone e Barry Rogers, solo per nominarne alcuni. Questo disco non sarà molto apprezzato. Si dice che le critiche negative colpirono molto Markolino e contribuirono definitivamente al suo distacco dagli studi di registrazione.
Nel 1976 riappare brevemente negli studi solo per partecipare a progetti di due suoi amici. In “Latin Fever” di Andy Harlow arrangia e suona il piano in “Las Mujeres”. Ancora una volta il suo brano impressiona con un assolo in quello che è il miglior brano del disco. In “Los Salseros de Acero” di Frankie Dante e la Flamboyán, Dimond compie una scadente partecipazione suonando sintetizzatori, molto lontano da quelli che erano stati i suoi lavori precendenti.
A cominciare da quell’anno Markolino scompare dall’ambiente musicale per nove lunghi anni nei quali si allontana dagli studi di registrazione e dalla musica.
Nessuno fra i suoi colleghi e i suoi amici conosce le motivazioni di questo stop.
Nel 1985 si presenta senza preavviso e con un pessimo aspetto nella casa di Andy Harlow a Miami, il quale si era trasferito in quella città nel 1977.
Andy stava lavorando ad un progetto chiamato “Miami Sessions” insieme a suo fratello Larry. Markolino gli racconta che stava male, che viveva con una donna in un motel e che aveva bisogno di soldi. Andy Harlow gli da degli spartiti, gli presta un piccolo piano elettrico e gli chiede di arrangiargli il disco. Dimond ritorna con gli arrangiamenti, suona tutte le canzoni della registrazione ad eccezione di “Philadelphia Mambo” registrata da Larry Harlow, riceve i soldi e sparisce per sempre. Tre canzoni di questo disco rappresentano gli ultimi assoli di Markolino Dimond: “Decide tu”, “Nadie da Nada” e “Mortifica”. La luce del suo talento brilla, però la sua anima non è più lì. In alcune frasi si ascoltano citazioni di assoli fatti precedentemente, quasi come se sentisse che la sua fine era vicina.
Andy Harlow non seppe più nulla di lui, fino a quando, all’incirca un anno dopo, ricevette una telefonata dalla madre di Dimond che viveva ad Augusta in Georgia. Markolino era morto nell’area di San Francisco / Oakland, dove finalmente aveva rivisto suo padre cubano. Lì aveva trovato lavoro in un centro commerciale come venditore di pianoforti. Era riuscito a mettere un po’ di ordine nella sua vita, quando un giorno morì nel negozio a causa di una sifilide cerebrale che non gli era stata diagnosticata e che sicuramente era stata contratta già molto tempo prima.
Per Andy Harlow molte persone cercarono di aiutare Markolino nella sua vita: sua madre, i suoi amici, incluso anche Jerry Masucci. Però il destino di Dimond era già scritto. Mark Alexander Dimond morì prematuramente a 36 anni, come conseguenza della sua dipendenza dall’eroina, lontano dalla musica, con un talento che aveva sempre impressionato i suoi colleghi e con tantissimo ancora da dare. La sua musica vivrà per sempre.
(*) Secondo quanto riferito da Andy Harlow Markolino si presentò a casa sua a Miami nel 1985 quando lui stava preparando il disco “Miami Sessions”. Ci può essere qualche confusione con gli anni, perchè il disco vede la data del 1988. E’ probabile che sia stato registrato nel 1985 e pubblicato tre anni dopo.
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Mark Alexander Dimond, Markolino como lo bautizaron sus colegas de la época, nació en 1950. Era Norteamericano y vivía en el Lower East Side al Sur Este de la Gran Manzana con su madre y su hermana mayor.
Su Madre era trabajadora Social del New York City Welfare Department, y su hermana Estudiante Universitaria. Markolino siempre hablaba de su Padre. Decía que era un negro Cubano de apellido Dimond, pero ninguno de sus compañeros y amigos de la época lo conoció.
Mark estudió algo de Música siendo un niño, pero principalmente era Autodidacta. Podía leer música y escribir partituras. Sólo le tomaba escuchar un tema, o tocar el papel una vez y se lo aprendía para siempre. Pero desde adolescente le gustaban las drogas, principalmente la Heroína. Cuando se trataba de drogas, Markolino no podía controlarse. Esto cuenta Andy Harlow, uno de sus amigos desde que comenzaron a tocar juntos en el Sexteto de este en 1966, gracias a la gestión de un vecino y amigo de Markolino, Ismael Miranda.
Cuenta Andy Harlow que el estaba acompañando a su hermano Larry en un Club en Brooklyn donde este estaba tocando llamado el “3 en 1”, y salió del local para tomar un poco de aire cuando se le acerca este Chico pequeño, quien se presenta y le dice: “Escuché que está formando una banda…Yo soy cantante, toco las Tumbadoras, las Maracas y además escribo canciones…Y tengo un amigo en mi cuadra en el Lower East Side que toca el Piano” Este chico adolescente era Ismael Miranda y su amigo Pianista de la cuadra, Mark Dimond. Ismael tenía 17 años, Mark 16 y Andy Harlow unos 20. Ismael ayudó a Harlow a terminar de conformar la banda e incluso consiguió que tocaran su primer “Gig” en el JJ Club en la calle 80 con Broadway. Así comienza Markolino a desarrollar su talento profesionalmente. Algún tiempo después, Ismael se va con la Orquesta del Timbalero Joey Pastrana y consigue su primer gran éxito “Rumbón Melón”. Dimond pasa a ser el Pianista de la Orquesta de Willie Colón.
Para la época de su primera grabación importante, el disco “The Hustler” con la Orquesta de Colón en 1968, ya Markolino era un Pianista genial, y lo deja evidenciado en el tema que le da el nombre al disco (donde hace alarde de la independencia de sus manos) y en “Guajirón”, una guajira donde Markolno construye un montuno a contracorriente con el Bajo y además hace un solo, aún hoy clásico entre los Pianistas de Salsa. Pero además de ser un gran pianista, también es un adicto. Y toda la carga que eso implica viajaba con él: Irresponsabilidad,, Impuntualidad y problemas con el manejo del Dinero, entre otros.
Para el segundo disco de Colón, “Guisando / Doin’ a Job” de 1969, Markolino compone un tema agrio y oscuro por su sonoridad, pero paradójicamente lleno de ingenuidad. El tema “Te están Buscando”:
TE ESTAN BUSCANDO YA
LA POLICIA
TE LO DIJE MARKOLINO
QUE TUVIERAS MAS CUIDAO
LA JARA TE ANDA BUSCANDO
TU ESTAS GUISAO
SIEMPRE CON EL MISMO CUENTO
NUNCA QUIERES TRABAJAR
TE LO DIJE FUMANCHU’
ESCONDE EL PAPEL DE BAMBU’
Según su propia canción, a Markolino lo anda buscando la Policía (La Jara). Además es un Fumanchú, un fumón. Al final el verso menciona el papel de Bambú, o el “Bambu Rolling Paper” comunmente utilizado para envolver cigarrillos de Tabaco y Marihuana.
En esta época, la Orquesta de Willie Colón comienza a ser manejada por el conocido empresario musical y Manager de muchas orquestas de Salsa, Richie Bonilla. Para el siguiente disco, “Cosa Nuestra” de 1971, se producen cambios en la Orquesta. El Professor Joe Torres es el nuevo Pianista, Louie Romero se hace cargo del Timbal y José Mangual Jr del Bongó. Bonilla comentó en una entrevista a una revista que la primera vez que escuchó la Orquesta de Colón a petición de Héctor Lavoe, esta le gustó mucho, pero que estaba llena de drogadictos. “El gran Pianista Mark Dimond era un drogadicto” dijo Bonilla.
Markolino emprende entonces un proyecto propio, y ese mismo año 1971, graba un disco con su grupo, llamado Conjunto Sabor. Esta producción marcó el debut de un joven cantante nacido en Ponce llamado Angel Canales. El disco “Brujería” contiene ocho temas compuestos y arreglados por Dimond, y sin duda es de lo mejor de la Salsa dura de todos los tiempos. Pero la adicción de Markolino se interpone de nuevo y hace que sus propios compañeros decidan prescindir de su talento. El Conjunto continúa ahora bajo el liderazgo de Canales.
Por esas cosas de la industria, este disco es reeditado años después, cuando Canales ya gozaba de prestigio en el ambiente salsero por su particular estilo de cantar, y le cambian la carátula a “Angel Canales / Mas Sabor”, obviando por completo a Dimond de los créditos.
En el año 1972, Markolino trabaja de manera itinerante con la Orquesta Dicupé, tras la salida de su Pianista Luis Esquilín, tal como lo contó el bongocero de la mencionada orquesta, Mario Librán: “Markolino tocó mucho con nosotros pero era un problema porque siempre llegaba tarde. En esa época tocaron muchos, pero Markolino fue el que más tiempo se quedó”. Dimond no llega a participar en el segundo disco de la Dicupé de 1974.
Ese año ’74, Markolino es invitado para grabar el Piano en el primer disco como solista de Héctor Lavoe, “La Voz”, el cual vería la luz en 1975. El disco abre con “El Todopoderoso”, un tema lleno de vitalidad donde Dimond parece agradecer su talento a las alturas. Además en ese disco graba su solo mas popular entre los melómanos, el de “Rompe Saraguey”. También en 1974 participa en el primer disco como solista de Ismael Quintana, grabando un par de temas de los cuales se destaca “Mi Debilidad”, donde Dimond graba un solo imponente que, una vez más, describía su personal estilo de tocar el Piano. Este par de grabaciones con artistas de Fania nos hace pensar que esta es la época en la que Jerry Massucci y Johnny Pacheco alineaban a Markolino en la Fania All Stars, en algunas ocasiones en que Larry Harlow no estaba disponible, antes de la entrada del Maestro Papo Lucca como Pianista regular de la Orquesta.
El año 1975, sin duda, representó la cúspide en la carrera de Dimond. Ese año completa el proyecto más importante de su carrera. Primero porque sería el último disco de Salsa que grabaría con una Orquesta reunida y liderada por él. Segundo, por la química y explosiva combinación de músicos convocados: Todos latinos en la sección rítmica y todos Norteamericanos (a excepción de Reinaldo Jorge) en los metales. El resultado: una joya musical que está en el cénit de lo que es la Salsa como concepto musical: Latinos y Norteamericanos aportando ritmos y armonías para producir una expresión única e irrepetible. De este disco el tema “Por Qué Adoré”, compuesto por Tite Curet, se ha vuelto objeto de culto por parte de los melómanos.
Paradójicamente ese mismo año, Dimond emprende un proyecto personal de Rock y R&B llamado “The Alexander Review” donde toca los teclados y canta. En este proyecto participaron músicos de la talla de Eddie “Guagua” Rivera, Ray Maldonado, Tom Malone y Barry Rogers, solo por nombrar algunos. Este disco no fue bien recibido. Dicen que esta crítica negativa lo afectó mucho y contribuyó definitivamente a su distanciamiento de los estudios de grabación.
En 1976 reaparece brevemente en los estudios, solo para participar en proyectos de dos de sus amigos. En “Latin Fever” de Andy Harlow, arregla y toca el Piano en “Las Mujeres”. Nuevamente deslumbra con un solo en lo que es el mejor tema del disco. En “Los Salseros de Acero” de Frankie Dante y la Flamboyán, Dimond tiene una lamentable participación tocando Sintetizadores, muy distante de lo que habían sido sus trabajos anteriores.
A partir de ese año, Markolino se desvanece del ambiente musical. Nueve largos años se mantiene desaparecido, alejado de los estudios y de la Música. Ni sus colegas, ni sus amigos más cercanos conocían de su paradero.
Es en 1985(*) cuando se presenta sin aviso y con muy mal aspecto en la casa de Andy Harlow en Miami, quien se había mudado a esa ciudad en 1977. Andy estaba trabajando en un proyecto llamado “Miami Sessions” junto a su hermano Larry. Markolino le cuenta que estaba quebrado, viviendo con una mujer en un Motel y que necesitaba dinero. Andy Harlow le da los papeles, le presta un pequeño Piano Eléctrico y le pide que le haga los arreglos del disco. Dimond regresa con los arreglos, toca todos los temas en la grabación a excepción de “Philadelphia Mambo” grabado por Larry Harlow, cobra el dinero y se marcha para siempre. Tres temas de ese disco registran los solos de despedida de la carrera de Markolino: “Decide tu”, “Nadie da Nada” y “Mortifica”. La luz de su talento brilla, pero el alma ya no está allí. En algunas frases se oyen citas a solos anteriores, como si sintiera que el final estaba cerca.
Andy Harlow no supo mas de él, hasta que aproximadamente un año después, recibe una llamada de la madre de Dimond, ahora retirada y viviendo en Augusta, Georgia. Markolino había muerto en el área de San Francisco / Oakland, donde finalmente se había reencontrado con su Padre Cubano. Consiguió un trabajo en un Centro Comercial, en una tienda de Pianos como Vendedor. Había logrado componer un poco su vida, pero un día colapsó en la tienda a causa de una Sífilis cerebral no diagnosticada que, seguramente, estaría padeciendo durante años.
Según Andy Harlow, mucha gente trató de ayudar a Markolino en su Vida: Su Madre, sus amigos. Incluso Jerry Massucci. Pero el destino de Dimond ya estaba escrito. Mark Alexander Dimond murió prematuramente a los 36 años, como consecuencia de su adicción a la Heroína. Alejado de la Música y con un talento que siempre impresionó a sus propios colegas, y que tenía muchísimo más que dar. Su Música, vivirá por siempre.
(*) De acuerdo a lo relatado por Andy Harlow, Markolino se presentó en su casa en Miami en 1985 cuando el preparaba el disco Miami Sessions. Puede haber alguna confusión con los años, porque el disco en referencia tiene fecha 1988. Es probable que se haya grabado en 1985 y lanzado al mercado tres años después.
Si ringrazia Salsajazz.com per la disponibilità dimostrata nel concedere la pubblicazione di questo articolo anche sul nostro portale.
Edil Dicupé. Nato a Santurce (Portorico) e cresciuto a Lares fino all’età di otto anni. All’età di nove anni i suoi genitori Froilan Dicupé e Ana Perez Dicupé si trasferiscono a New York City per farlo studiare. A dodici, diventa membro del centro P.A.L.
Quindi entra a far parte di un gruppo di percussioni chiamato “The Gua-Guancheros“, dove apprende a suonare le congas. Il suo istruttore è Ted Holiday, che in seguito suonerà le congas nel suo primo disco con la Fania.
Suo fratello Freddy ha una grande influenza nel suo modo di suonare la tromba, ogni volta che suona in qualche club lo invita a suonare insieme alla banda, e a suonare la tromba. Più tardi, Edil continua i suoi studi con la tromba al Conservatorio di Musica di Brooklyn. A venti anni si laurea e inizia la sua carriera professionale come trombettista dei Lebron Brothers.
Nel 1970 nasce l’Orquesta Dicupé. Nel frattempo Larry Harlow, produttore, e Jerry Massucci, Amministratore Delegato della Fania Records, ascoltano la banda durante alcuni concerti e li invitano a collaborare con la Fania.
Nel 1973 e 1974, gli album “Orquesta Dicupé” e “Aquí Llegamos” diventano due hit del mercato discografico, grazie ad alcune “leggende” come i cantanti Adalberto Santiago, Ismael Miranda, Ismael Quintana, Roberto Torres Gonzales ed il corista Junior Gonzales.
Entrambi gli album diventano molto popolari e questo gli permette di suonare in alcuni club di prestigio come The Cheetah, Corso, Caborojeno, La Mancha, Casinò 14, e Marion Manor. In quel periodo iniziano a suonare i primi DJ che tolgono rapidamente spazio alle orchestre.
Per questo motivo Edil decide di sciogliere la band per un po’ di tempo. Tuttavia, nel 1990, riusce a produrre il suo primo CD “Que Bonito Es Amar” che non è stato ancora distribuito.
“Nel corso degli anni, sono stato dentro e fuori dal mondo della musica. Tuttavia, grazie a Internet ho recentemente ricevuto tanti messaggi d’ incoraggiamento da parte di persone di diverse parti del mondo che mi inviano e-mail lodando la band e la musica. Ho anche ricevuto video di ballerini di salsa che ballano sulla musica dell’Orquesta Dicupe. Questo mi ha ispirato ad introdurre nuovamente la musica dell’ Orquesta Dicupe alle nuove generazioni“.
LA BAND IERI….Edil Dicupé– TrumpetFreddy Dicupé – Trumpet
Luis Esquilin – Piano
Mike Amitin – Bass
Johnny Vasquez – Lead Vocal
Frank Javier Velez – Lead Vocal
Ted Holiday – Conga
Mario Libran – Bongos
Johnny Almendra– TimbalesLA BAND OGGI….Edil Dicupé– TrumpetChristopher Sanchez – Trumpet
Angel Lebron – Trombone
Ray Fuentes – Piano
Marcos Gonzalez – Bass
Anibal Dicupé – Lead Vocal
Desiree Dicupé – Coro
Harry Adorno – Timbales
Willy Romero – Conga
Louis Hernandez– Bongos
Alcuni video recenti di esibizioni dell’Orquesta Dicupé:
Edil Dicupé. I was born in Santurce, Puerto Rico and raised in Lares until the age of eight. When I was nine, my parents Froilan Dicupé and Ana Perez Dicupé brought me to New York City to go to school and study here. At twelve, I became a member of the P.A.L. center. There I joined a drum group called “The Gua-Guancheros” where I learned to play congas. My instructor was Ted Holiday, who later played the congas on my first record with Fania.
My brother Freddy was a great influence in my trumpet playing, when he played in clubs he always invited me to sit in with the band, and play the trumpet. Later on, I continued my studies at the Brooklyn Conservatory of Music, taking up the trumpet. At twenty, I graduated and began my professional musical career with the Lebron Brothers, as a trumpet player.
In 1970, the Orquesta Dicupé was born. In our travels, Larry Harlow, producer, and Jerry Massucci, CEO, of Fania Records heard the band peforming and discussions began for production with Fania. In 1973 & 1974, the albums “Orquesta Dicupé” and “Aquí Llegamos” hit the market, with such legends on vocals as Adalberto Santiago, Ismael Miranda, Ismael Quintana, Roberto Torres and Junior Gonzales in coro.
Both albums, became very popular, and this created the opportunity for the band to play in classic clubs such as The Cheetah, Corso, Caborojeno, La Mancha, Casino 14, and Marion Manor. In time the DJ era started, so there were not enough work for the bands. This led me to dissolve the band for a while. However, in 1990, I managed to produce my own first CD “Que Bonito Es Amar” which has not yet been released.
Through the years, I’ve been in and out of the music world. Nevertheless, thanks to the internet I’ve recently gotten a lot of encouragement from people of different parts of the world, as they send me e-mails praising the band and the music. I’ve even received videos of salsa dancers performing to the sounds of Orquesta Dicupe. This has inspired me to introduce the sounds of Orquesta Dicupe to the new generation.
Orlando Marin è davvero l’ultimo re del mambo e la sua è l’unica orchestra che, leader dai tempi d’oro del mambo a New York, ancora oggi si esibisce regolarmente. Contemporaneo di Tito Puente, di Machito, di Tito Rodriguez e di altre grandi icone dell’era new yorchese del mambo, nato nel Bronx, Orlando sviluppò amore per la musica quando ancora era molto giovane. Il mambo stava dirompendo agli inizi degli anni 50 quando Orlando, catturato dai suoi ritmi, sviluppò profondo interesse verso le percussioni latine. All’età di 16 anni, mentre si preparava a una carriera come disegnatore di fumetti presso la prestigiosa High School of Industrial Arts di New York, fondò una piccola band.
Orlando Marin con Tito Puente
Il gruppo si sviluppò velocemente in una orchestra di dieci elementi e, tra le orchestre latine formatesi nel Bronx, fu la prima a realizzare consistenti successi commerciali, apparendo in alcuni locali rinomati come il favoloso Palladium Ballroom di New York. Federico Pagani, il PR del Palladium Ballroom, chiamò il gruppo di Orlando “La Orquesta de la Juventud” (L’Orchestra della Gioventù). Il giovane gruppo comprendeva Eddie Palmieri (allora quattordicenne) al piano e Joe Quijano (allora quindicenne) come vocalist, entrambi destinati a diventare dei grandissimi solisti della musica latina. Orlando era un emergente fenomeno musicale quando incontrò il produttore Richard Martin, per il qualeregistrò “Mi Mambo”, per l’etichetta Plus.
Orquesta Orlando Marin: Bembe para vacilar con l’Orchestra di Ernie Agosto (riconoscibile alla tromba vestito con la giacca e senza cravatta), canta Chivirico Davila
Dopo essersi assicurato un contratto con la Fiesta records, Orlando registrò i suoi primi due LP, “Arriba Cha-Cha-Cha” e “Lets Go Latin”. La patria interruppe la strepitosa ascesa di Orlando, spedendolo nell’esercito a pattugliare la zona demilitarizzata della Corea come parte delle forze di occupazione degli Stati Uniti. Mentre era in Corea, Orlando prese parte alla competizione di talenti delle forze armate, vincendo il primo premio nella sezione del Pacifico. Seguì un tour musicale in Corea e in Giappone, con un salto a Washington DC, per le finali, suggellato da una performance all’interno del “The Ed Sullivan Show”. Sebbene in uniforme e di stanza in California, Orlando affiancò Tito Puente ai timbales all’Hollywood Palladium, e per volontà di Puente, affiancò la star cubana Benny Moré.
Parecchi anni più tardi, Orlando avrebbe fatto ancora un’apparizione insieme a Tito presso l’Hollywood Palladium, questa volta ognuno di loro portando la sua orchestra, e sfidandosi nei timbales. Dopo il servizio militare, Orlando fece ritorno a New York. Continuò ad esibirsi presso il Palladium Ballroom, e in seguito, presso altri famosi locali di New York come il Limbo Lounge, il Bayside Manor, l’Hotel Taft, e il famoso Hunts Point Palace, nel Bronx, per citarne alcuni. Dopo aver registrato due album di grande successo per la Alegre Records, “Se Te Quemò La Casa” e “Que Chévere”, venne invitato a registrare con l’Alegre All-Star, esibendosi in un assolo di timbal sugli accordi del motivo Manteca. Orlando fece ritorno alla Fiesta Records, per la quale registrò “Esta en Algo”, che includeva il successo strepitoso “Aprende a Querer”. Tutti i colleghi di Orlando conclamarono questo disco come il suo migliore di ogni tempo.
Se te quemo la casa
Poco più tardi Orlando pubblicò il primo album di boogaloo mai registrato, “Out of My Mind”, per l’etichetta Brunswick. Orlando continuò a esplorare nuovi terreni musicali, realizzando il suo LP “Saxophobia”. L’album contiene arrangiamenti per cinque sassofoni, ma non contiene trombe, lo strumento a fiato associato, per tradizione, al genere latino. La registrazione fu riconosciuta come un grande successo di Latin Jazz. Contemporaneamente, Orlando continuò in performances dal vivo con la sua orchestra, oltre ad apparire al fianco di grandi come Miguelito Valdez, e del cantante show-man Bobby Capò i quali furono accompagnatì dalla Orlando Marin Orchestra in occasione del tour in cinque quartieri di New York. Nel 1976, Orlando venne invitato a rappresentare l’America ispanica all’ U.S. Bicentennial Celebration a Ellis Island. Nel 1999, il governatore di New York Goerge E. Pataki insignì Orlando del premio “Bobby Capò Lifetime Achievement Award”, come riconoscimento dei quasi 50 anni dedicati da Orlando alla musica latina e ai suoi fans.
La musica di Orlando viene apprezzata non solo dai frequentatori dei locali tradizionali latini di New York, ma anche da persone non amanti della musica latina dei cinque quartieri e oltre, e dagli amanti della salsa e del mambo in tutte le Americhe.
Durante un concerto del tour in Colombia nel 1993, Orlando venne premiato con il “Lifetime Musical Achievement Award” davanti a una moltitudine di 15.000 persone che accorsero al Calis Plaza de Toros per sentire la sua musica. Nel 1997, per conto degli amici e dei musicisti di Orlando, il famoso storiografo di musica latina Max Salazar donò ad Orlando una targa, presso il prestigioso club La Maganette, in riconoscimento delle quasi cinque decadi di contributo ininterrotto a favore della musica latina. Durante tutta la sua carriera Orlando ha mantenuto le sue radici nella città di New York, dove lui ha dimostrato riconoscenza alla comunità in qualità di consigliere per l’impiego in organizzazioni cittadine, che include il National Puerto Rican Forum.
Orquesta Orlando Marin: El Timbalero
La sua vasta esperienza da consigliere ha fatto in modo che tantissimi disoccupati di tutte le età si preparassero per il mondo del lavoro.
Orlando continua a esibirsi con la musica che egli ama e che ha dato tanto divertimento ai suoi fans. Nel Gennaio del 2003, viene invitato da una emittente di Latin Jazz di Washington DC, la WPFW, dalla Cultural Arts Division di Arlington County (Virginia), e dal Latin American Folk Institute per dare concerti dal vivo a Washington. La folla che riempì il Rosslyns Spectrum Theate era così entusiasta da ballare nei corridoi del teatro.
Oggi il gruppo di Orlando Marin costituisce una delle band più attive della East Coast. Si esibisce regolarmente al Ristorante Tito Puente e in numerosi e famosi locali di New York, tra tutti il Club Ilusiones, il Planeta Millennium, il Natives Restaurant e in molti altri. Si esibisce anche in locali all’aperto di tutta la città, come ad esempio, il South Street Seaport, il Roberto Clemente State Park, l’Orland Beach, il Ramon Velez Hunts Point Multi-Service Center, il Riverbank Park, e il Battery Park Concerts. Credendo che la musica possa arrivare a tutti, Orlando ha dedicato una sempre più consistente fetta del suo tempo a portare la sua musica a tutte quelle persone impossibilitate a venire a vederlo, come i pazienti d’ospedale, i carcerati in regime di correzione, i ricoverati in case di cura, in tutta l’area di New York. E proprio loro sono tra i suoi più accaniti fans.
English
The only orchestra leader from New Yorks golden era of mambo who still performs regularly, Orlando Marin is truly The Last Mambo King. A contemporary of Tito Puente, Machito, Tito Rodríguez, and other New York mambo-era icons, Bronx-born Orlando acquired a love of music at a very early age. Mambo was exploding in the early 50s when Orlando, captivated by its rhythms, developed a keen interest in Latin percussion. At age 16, while preparing for a career as a cartoon illustrator at New Yorks prestigious High School of Industrial Arts, he formed a small band.
The band quickly evolved into a ten-piece orchestra, and was the first of the Bronx-born Latin dance ensembles to achieve solid commercial success, appearing in such renowned venues as New Yorks fabled Palladium Ballroom. Palladium Ballroom promoter Federico Pagani dubbed Orlandos group La Orquesta de la Juventud (the Orquestra of Youth). The youthful ensemble included 14-year-old Eddie Palmieri on piano and 15-year-old Joe Quijano on vocals, both of whom were destined to become Latin music greats in their own right. Orlando was an emerging musical sensation when he met record producer Richard Marin, for whom he recorded Mi Mambo, on the Plus label.
Securing a contract with Fiesta records, Orlando recorded his first two LPs, Arriba Cha-Cha-Cha, and Lets Go Latin. Uncle Sam interrupted Orlandos meteoric rise in 1958, sending him off in an Army uniform to patrol Koreas DMZ as part of the U.N. occupation forces. While in Korea, Orlando entered the All-Army Talent Competition, winning First Prize in the Pacific Command. A musical tour of Korea and Japan followed, with a trip to Washington, DC, for the finals, capped by a performance on The Ed Sullivan Show. While still in uniform and stationed in California, Orlando sat in for Tito Puente on timbales at the Hollywood Palladium and, at Puentes behest, accompanied Cuban singer-star Benny Moré.
Several years later, Orlando would appear with Tito again at the Hollywood Palladium, this time each leading his own orchestra, and dueling on timbales. Following military service, Orlando returned to New York. He continued to appear at the Palladium Ballroom, and was featured at many other popular New York dance venues, including the Limbo Lounge, the Bayside Manor, the Hotel Taft, and the Bronxs renowned Hunts Point Palace, among others. After recording two highly successful albums for Alegre Records, Se Te Quemó La Casa, and Que Chévere, he was invited to record with the Alegre All-Stars, performing his famous timbal solo on the tune Manteca. Orlando returned to Fiesta Records, for whom he recorded Está en Algo (Hes Up To Something), which included the smash hit Aprende a Querer. Orlandos peers hailed this recording as his best ever.
Shortly thereafter Orlando cut the first bugaloo album ever recorded, Out of My Mind, for the Brunswick label. Orlando continued to break new musical ground with the release of his LP Saxophobia. The album contains arrangements for five saxophones, but uses no trumpets, the brass instrument traditionally associated with the Latin genre. The recording was hailed as a Latin jazz success. Meanwhile, Orlando continued to appear in live performances with his own orchestra, as well as alongside such greats as Miguelito Valdez, and singer-entertainer Bobby Capó, whom The Orlando Marin Orchestra accompanied on a five-borough New York tour. In 1976, Orlando was invited to represent Hispanic America at the U.S. Bicentennial Celebration on Ellis Island. In 1999, New Yorks governor George E. Pataki presented Orlando with the Bobby Capó Lifetime Achievement Award in recognition of nearly a half century of Orlandos dedication to Latin music and to his fans.
Orlandos music is appreciated not only by the denizens of New Yorks traditional Latin dance venues, but also by non-Latin fans throughout the five boroughs and beyond, and by mambo and salsa lovers everywhere in the Americas. During a concert tour to Colombia in 1993, Orlando was honored with a lifetime musical achievement award before a throng of 15,000 that had come to Calis Plaza de Toros to hear his music. In 1997, on behalf of Orlandos friends and fellow musicians, renowned Latin music historiographer Max Salazar presented Orlando a plaque at New Yorks prestigious club La Maganette in recognition of nearly five decades of uninterrupted contribution to Latin music. Throughout his performing career Orlando has maintained his roots in New York City, where he has given back to the community as an employment counselor for community-based organizations, including the National Puerto Rican Forum.
His extensive employment counseling experience has helped countless job seekers of all ages prepare for the world of work. Orlando continues to perform the music that he loves and which has given his fans so much enjoyment. In January 2003, he was invited by Washington, DCs, Latin Jazz station, WPFW; by the Arlington County (Virginia) Cultural Arts Division; and by the Latin American Folk Institute to do a live concert in Washington. The enthusiastic crowd that filled Rosslyns Spectrum Theater for the performance was dancing in the aisles. Today the Orlando Marin ensemble remains one of the most active Latin bands on the East Coast. It appears regularly at the Tito Puente Restaurant, at many popular New York dance venues, including Club Ilusiones; Planeta Millennium; Natives Restaurant; and many others. It appears also at open-air venues throughout the city, such as the South Street Seaport; Roberto Clemente State Park; Orchard Beach; the Ramon Velez Hunts Point Multi-Service Center; Riverbank Park; and the Battery Park Concerts. Believing that music belongs to everyone, Orlando has been spending an increasing proportion of his time bringing his music to those unable to come see him: hospital patients, inmates of correctional facilities, and nursing home residents throughout the New York area. They are among his most avid fans.
Il mondo si addolora per la perdita di una delle leggende latine femminili pioniere del ballo in America, Millie Donay (Carmela Dante DeFrancesco), che è deceduta per un tumore al colon, lunedì 16 luglio 2007, nel New Jersey.
Millie conobbe Cuban Pete al Palladium Ballroom verso il 1950 e ci fu un’immediata chimica, al punto che lei gli chiese subito di ballare. Inizialmente fenomenale ballerina di Lindy Hop, lui le parlò del mambo e della clave, ai quali lei aggiunse i movimenti “jazzy” del Lindy ed il resto è storia latina del ballo.
Cuban Pete mostra una foto insieme a Millie Donay
Ballando ai suoni ardenti di tutte le principali band latine, Cuban Pete e Millie elettrizzarono il mondo con i loro personali e innovativi movimenti ritmici, spettacoli originali, riuscendo a catapultare il Mambo verso il successo internazionale. Ogni mercoledì notte, tantissime persone affollavano il Palladium Ballroom fra la cinquantaquattresima e Broadway, per guardare il loro Mambo scintillante, il doble Mambo, la Rumba e la sexy Guajira, ballata su “Love for sale”. Millie è famosa per la sua creazione di giri del corpo, in particolare dove finiva il giro mostrando il fondoschiena al pubblico.
Nessuno dopo di lei è stato in grado di perfezionare quel particolare movimento che faceva impazzire il pubblico!
Questo duo dinamico ha segnato il ballo latino! Si sono esibiti al Carnegie Hall, all’Apollo Theater, al Waldorf Astoria, al Copacabana, all’Astor Hotel, al Latin Quarter di Boston con Xavier Cugat e al Madison Square Garden per il presidente israeliano Ben Gurion. Sono comparsi nella pellicola, “Mambo Madness”, sono apparsi su LIFE magazine e nelle trasmissioni: Nat King Cole Telethon, Art Raymond Poncho Show, Jose Curbelo Show, e hanno fatto una tourneè per l’Arthur Murray Dance Studios insegnando il loro stile latino.
Hanno ballato in nightclubs da costa a costa ed in Canada, riscuotendo un successo stellare.
Hanno ballato nel Catskill Mountains, presso tutti i principali hotel e mostre, ed ogni giovedì notte al Cory’s, ricevendo applausi e standing ovations.
Cuban Pete e Millie si sono separati nel 1956, mantenendo un’amicizia duratura. Hanno avuto una figlia, Denise, che ha preso il nome dalla loro comune amica, l’attrice Denise Darcel. Dopo una breve carriera da solista, durante la quale ha ballato per Perez Prado a Las Vegas, dal 1957 al 1960, ha fatto coppia con Marilyn Winters, creando il primo ed unico duo femminile di ballo latino nello stile “side-by-side” (una sorta di Mambo Legends al femminile).
Millie ritornò a ballare solo dopo aver incontrato e sposato Michael Dante DeFrancesco dal quale ebbe tre figli. Nel 1992 lei apparve e fece la coreografia insieme a Cuban Pete nel film “Mambo Kings”, e fece un evento speciale al Nevele hotel.
Successivamente partecipò anche a programmi, documentari ed eventi latini nel Nord Est degli Stati Uniti.
La sua memoria continua con sua figlia Denise Gerard, e con i figli Joseph, Michael e Anthony DeFrancesco, e con i parenti Tammy e Kelly, Gina Gerard, Jordan, Nicole, Carmelina DeFrancesco, Michael e Raymond DeFrancesco.
I funerali si sono tenuti sabato 21 Luglio 2007.
Prossimamente ci sarà un memoriale in suo onore nella città di New York.
Millie Donay non è stata solo la più influente ballerina di Mambo New Yorkese ma è stata una vera è propria antesignana delle odierne ballerine di salsa.
Che riposi in pace.
English
MILLIE DONAY
(Carmela Dante DeFrancesco)
February 23, 1934 – July 16, 2007
The world mourns the loss of one of America’s pioneer female Latin dance legends, Millie Donay (Carmela Dante DeFrancesco), who succumbed to colon cancer Monday, July 16, 2007, in New Jersey.
Millie met Cuban Pete at the Palladium Ballroom around 1950, and there was instant chemistry, so much so that she asked him to dance. Initially a phenomenal Lindy Hopper, he taught her the Mambo and the clave, to which she added jazzy Lindy moves, and the rest is Latin dance history.
Dancing to the fiery sounds of all the major Latin bands, Cuban Pete and Millie electrified the world with their daring, innovative rhythmic moves and custom, original routines, catapulting the Mambo to an international craze. Every Wednesday night, hordes of people flocked to the Palladium Ballroom on 54th and Broadway, to watch their scintillating Mambo, double Mambo, Rumba, and the sexy, steamy Guajira, danced to Love for Sale. Millie is most famous for her creation of body rolls, especially one where she turned her back to the audience as she tapped her derriere. No one has since been able to perfect that particular move…it brought the house down! This dynamic duo put Latin dance on the map!
They performed at Carnegie Hall, The Apollo Theater, Waldorf Astoria, Copacabana, Astor Hotel, the Latin Quarter in Boston with Xavier Cugat, and Madison Square Garden for Israeli President Ben Gurion. They appeared in the film, “Mambo Madness,” were featured in LIFE magazine, appeared on the Nat King Cole Telethon, Art Raymond Poncho Show, the Jose Curbelo Show, and toured for Arthur Murray Dance Studios training their Latin department. They danced in nightclubs from coast-to-coast, and in Canada, achieving international stardom. They danced in the Catskill Mountains, at all of the major hotels, in jamborees and exhibitions, and every Thursday night at Cory’s, receiving thunderous applause and standing ovations.
Cuban Pete and Millie parted ways in 1956, but remained friends through the years. They have one daughter, Denise, named after their good friend, actress Denise Darcel.
After a short solo career, during which time she fronted Perez Prado in Las Vegas. From 1957–1960, she paired with Marilyn Winters, creating the first and only two-woman, side-by-side Latin dance team.
Millie returned to dancing solo before meeting and marrying Michael Dante DeFrancesco, with whom she had three sons. In 1992, she appeared and co-choreographed with Cuban Pete in the film, “Mambo Kings,” and a special event at the Nevele Hotel. She participated in Latin dance panels, quorums, television documentaries, and hosted Latin dance events in the Northeast region.
She is survived by her daughter, Denise Gerard, sons Joseph, Michael, and Anthony DeFrancesco, daughters-in-law Tammy and Kelly, granddaughters Gina Gerard, Jordan, Nicole and Carmelina DeFrancesco, and grandsons Michael and Raymond DeFrancesco.
A private service will be held Saturday, July 21, 2007. There will be a Memorial held in her honor in New York City in the near future, details to follow.
Orlando Marin con Tito Puente
